Der Geist der Symbolik. Russische und westeuropäische Kunst im Kontext der Ära des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Neue Richtungen in der westeuropäischen Kultur am Ende des 19. Jahrhunderts Symbolismus in Westeuropa

SymbolismusSymbolismus (griechisch simbolon – Zeichen, Symbol) ist eine der größten Bewegungen
in der Kunst, geprägt vom Experimentieren, der Lust am
Innovation, der Einsatz von Symbolik, Understatement, Hinweise,
Mysterium und Rätsel.
In ihren Werken versuchten die Symbolisten, das Leben jeder Seele darzustellen –
voller Erlebnisse, unklar, vage Stimmungen, subtile Gefühle, flüchtig
Eindrücke.
Entstand in den 1870er und 1880er Jahren in Frankreich und erreichte seine größte Entwicklung im Jahr
an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert, vor allem in Frankreich selbst, Belgien und Russland.
Dieser Trend verdient in Russland besondere Aufmerksamkeit
verwendete westliche Ideen, bot aber seine eigenen Besonderheiten und
Eigenschaften. Dazu gehört die Kommunikation mit der Bevölkerung und dem Staat sowie die Ansprache
andere historische Epochen.

Symbolismus und andere Bewegungen

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Akmeismus. Es entstand aus der Symbolik, widersprach ihr aber. Richtung
sah Materialität, Einfachheit der Bilder und hohe Präzision der Worte voraus;
Futurismus. Die Grundlage war die Ablehnung verschiedener kultureller
Stereotypen und ihre Zerstörung. Technologie und Prozesse spielen eine wichtige Rolle
Urbanisierungen, in denen die Zukunft der Welt gesehen wurde;
Kubofuturismus. Gekennzeichnet durch eine Ablehnung der Ideale der Vergangenheit und Orientierung
für die Zukunft;
Egofuturismus. Diese Richtung zeichnet sich durch den Einsatz von Neuem aus
Fremdwörter, Kultivierung reiner Gefühle und Empfindungen,
Selbstliebe demonstrieren;
Imagismus. Die Grundlage besteht darin, ein bestimmtes Bild zu erstellen. Grundlagen
Das hierfür verwendete Ausdrucksmittel ist
Metapher. Die Bewegung zeichnet sich durch die Verwendung anarchistischer Ideen aus
schockierend.

Charakteristische Merkmale der Symbolik

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Innovation und Experimentierfreude;
Geheimnis, Mehrdeutigkeit und Understatement;
Liebe, Tod, Leiden – die sogenannten ewigen Themen, die wichtigsten
Motive des Symbolismus in der bildenden Kunst;
Appell an allegorische, mythologische und biblische Themen;
Das Vorhandensein von Symbolen im Bild, die den Betrachter auf andere verweisen
Wissensquellen;
Vereinfachtes, verallgemeinertes Bild;
Klare Konturen von Details;
Ein großer Raum mit einem monochromatischen Hintergrund des Bildes.

John Everett Millais. Ophelia. Tate Gallery, London. 1852

Dante Gabriel Rossetti. Geliebten. Tate Gallery, London. 1865 – 1866

Puvis de Chavannes (1824 – 1898)

Charaktereigenschaften:
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Einer der Begründer des Symbolismus;
Starre Organisation der Komposition und Platzierung der Figuren in der Landschaft
parallele Pläne;
Die Themen werden durch die ewigen Bestrebungen des Menschen bestimmt;
Methode von P. Puvis de Chavannes: Skizzen aus dem Leben – Stilisierung und Verallgemeinerung
- Nachzeichnen mit dichter Kontur - Nachzeichnen - Verteilen von Skizzen
auf der Leinwand (Bestimmung des Ortes der Figur als Ganzes);
Klare Silhouette, besonderer Konturwert;
Die Linie ist das wichtigste Gestaltungselement.

Hoffnung. Orsay-Museum, Paris. 1871

Hoffnung. Walters Gallery, Baltimore. 1872

Saint Genevieve betrachtet Paris. Tafel aus dem Zyklus „Das Leben der Heiligen Genevieve“. Pantheon, Paris. 1874 – 1898

Heiliger Hain, beliebt bei Musen und Künsten. Art Institute, Chicago. 1884 – 1889

Armer Fischer. Orsay-Museum, Paris. 1881

Mädchen am Meer. Orsay-Museum, Paris. 1879

Paul Gauguin. Woher kamen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir? Museum der Schönen Künste, Boston. 1897 – 1898

Paul Gauguin. Gelber Christus. Albright-Knox-Galerie, Buffalo. 1889

Paul Gauguin. Grüner Christus. Museum der Schönen Künste, Brüssel. 1889

„Nabi“-Gruppe (1890 – 1905)

Die Gründer der Gruppe sind Paul Sérusier, Pierre Bonnard, Jean Edouard Vuillard, Paul
Ellier Ranson und Maurice Denis.
Sie alle interessierten sich für das Werk Paul Gauguins und versuchten, sich darin zurechtzufinden
Kunst und wollte nicht nur Kreativität zum Funktionieren bringen, sondern auch Stil
Leben.
Die Kreativität der Gruppe stand der literarischen Symbolik nahe und
gekennzeichnet durch das Primat der Farbe, dekorativ
Allgemeingültigkeit der Formen, sanfte Musikalität der Rhythmen, flach
Stilisierung von Motiven aus der Kunst verschiedener Nationen: Französische Folklore
Kunst, japanische Drucke und italienische Primitivisten.

Paul Eli Ranson. Landschaft des Propheten. 1890

Paul Sérusier. Maskottchen. Museum d'Orsay, Paris. 1888

Pierre Bonnard. Krocketspiel. Museum d'Orsay, Paris. 1892

Maurice Denis. Landschaft mit grünen Bäumen. Privatsammlung. 1893

Jean Edouard Vuillard. Im Zimmer. Staatliches Museum der Schönen Künste, benannt nach A. S. Puschkin, Moskau. 1904

Gustave Moreau (1826 – 1898)

Charaktereigenschaften:
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Mythologische und biblische Themen in der Kreativität;
Das Prinzip der „schönen Trägheit“ – alle Charaktere im Bild müssen
dargestellt in einem Zustand tiefer Selbstbezogenheit;
Das Prinzip der „notwendigen Pracht“ – das Bild muss dafür sein
dem Betrachter zunächst einmal eine fantastische Vision, die Schönheit vermittelt
Vergnügen;
Helle Farben und Lichtspiele;
Ornamente und dekorative Details.

Ödipus und die Sphinx. Metropolitan Museum of Art, New York. 1864

Phänomen. Gustave-Moreau-Museum, Paris. OK. 1875

Einhörner. Gustave-Moreau-Museum, Paris. OK. 1885

Jupiter und Semele. Gustave-Moreau-Museum, Paris. OK. 1894

Odilon Redon (1840 – 1916)

Charaktereigenschaften:
1. Einer der Begründer des Symbolismus und der „Society of Independent“.
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Künstler“;
„Schwarze“ und „farbige“ Perioden der Kreativität;
Ein Vorbote des Irrealismus in Malerei und Kunst angesprochen
menschliche Psyche;
Die Werke spiegelten die Schöpfungen seiner Fantasie wider;
Ich habe versucht, eine solche Form des künstlerischen Ausdrucks zu finden,
die beim Betrachter den Gedanken und die Sehnsucht danach wecken könnte
Selbstbeobachtung.

Geist. Wächter der Gewässer 1878

Spieler. Aus der Serie „In a Dream“. 1879

Lächelnde Spinne. Louvre, Paris. 1881

Leichtes Profil. Privatsammlung. 1881 – 1886

Parsifal. 1891

Christus vom Heiligen Herzen. Louvre, Paris. OK. 1895

Geburt der Venus. Orsay-Museum, Paris. OK. 1910

Edvard Munch (1863 – 1944)

Charaktereigenschaften:
1. Ich habe den größten Teil meines Lebens damit verbracht, an großen Dingen zu arbeiten.
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Zyklus „über Liebe, Leben und Tod“, den er „Fries“ nannte
Leben";
Starker Farbkontrast und scharfe Formen;
Der Rhythmus der Komposition;
Entwickelte seinen eigenen Stil;
Lieblingssymbole: blondes Mädchen – Blume in Weiß
Kleidung, eine rothaarige Vampirfrau und eine trauernde Mutter.

Mitte des 19. Jahrhunderts stand Europa an der Schwelle zur Entstehung neuer künstlerischer Strömungen und Strömungen. Sie betrafen vor allem Malerei und Poesie, drangen aber nach und nach in die Prosa vor. Die tiefgreifendste und maßgeblichste neue Bewegung in der Literatur war der Symbolismus. An ihren Ursprüngen stand der große französische Dichter Charles Baudelaire (1821–1867), dem Paul Verlaine (1844–1896), Arthur Rimbaud (1854–1891) und Stéphane Mallarmé (1842–1898) Tribut zollten.

Baudelaires Hauptbuch ist „Blumen des Bösen“ (1857), das mehrere Auflagen erlebte und durch neue Gedichte ergänzt wurde. Darüber hinaus veröffentlichte Baudelaire eine Gedichtsammlung, Fragmente und andere Werke. Das Buch „Paris Blues“, das „Kleine Gedichte in Prosa“ enthält, wurde posthum veröffentlicht.

Baudelaires Einfluss auf die symbolistischen Dichter war sehr bedeutend. A. Rimbaud schrieb: „Baudelaire ... ist der König der Dichter, der wahre Gott.“ Die Sammlung „Blumen des Bösen“ zeigte die Besonderheiten eines neuen Wortes in der Poesie, das Baudelaire eingeführt hatte. Erstens ist es eine erhöhte Sensibilität und maximale Genauigkeit bei der Wiedergabe der dunklen Seiten der Seele. Zweitens verwischt die Zweidimensionalität des Bildes, das gleichzeitig real und imaginär erscheint, die Grenze zwischen dem kreativen Menschen, dem Dichter und dem abgebildeten Objekt, wodurch das Bild zum Symbol wird. Im Gedicht „Katze“ erscheint beispielsweise eine bizarre Vision:

Es ist wichtig in meinem Gehirn
Schöne, sanfte, starke Katze
Und um seine Ankunft zu feiern,
Schnurrt sanft und langgezogen.

Die Sammlung „Blumen des Bösen“ überraschte die Leser mit ihrem offenen und aufrichtigen „Geständnis“ in der Darstellung der inneren Welt des Dichters, der keine Laster oder Fehler verbarg. „In dieses grausame Buch“, schrieb Baudelaire, „stecke ich meinen ganzen Verstand, mein ganzes Herz, meinen Glauben und meinen Hass.“

Der Titel des Buches enthält einen erheblichen semantischen Widerspruch: „Blumen“ und „böse“ sind kaum kompatible Wörter und Phänomene. Aber dieser Name bringt Baudelaires Gedanken treffend zum Ausdruck: Das Böse ist für den modernen Menschen attraktiv, es hat seine eigene Schönheit, seinen eigenen Charme, seine eigene Größe. Baudelaires Mann und der Dichter selbst spüren die Anziehungskraft von Gut und Böse, spirituelle Schönheit und die Schönheit des Lasters. Das ist eine Seite. Ein weiterer Grund ist, dass das Böse als eine Form des Guten angesehen wird. Die Dualität zwischen Gut und Böse verursacht Melancholie in der gespaltenen Seele eines Menschen und lässt einen Durst nach dem Unendlichen entstehen, den Wunsch, ins Unbekannte auszubrechen. Eine unauflösbare Spaltung durchdringt die Wirklichkeit und den Menschen, der für das Gute und Schöne ebenso veranlagt ist wie für das Böse und Bösartige:

Dummheit, Sünde, gesetzloser Rechtsraub
Sie verderben uns, sie zermürben unsere Seele und unseren Körper.
Und wie Bettler – Läuse – waren wir unser ganzes Leben lang langweilig
Wir ernähren uns von Reue.

Erst außerhalb der Realität und außerhalb des „Ichs“, wie Kritiker anmerken, wird Baudelaires Mensch und Dichter von der Melancholie befreit.

Baudelaires Schwanken zwischen Gut und Böse, Materiellem und Geistigem, Moralischem und Unmoralischem, Oben und Unten führt in seiner Poetik nicht nur zur Verbindung und Durchdringung von Erhabenem und Niedrigem, sondern auch zu unvereinbaren Kombinationen im Bild, zur Ästhetisierung des Hässlichen . Jedes Gefühl und seine Unterseite mit all seinen vielfältigen Schattierungen können leicht den Platz wechseln. Gleichzeitig kann sich Baudelaire nicht einer Illusion hingeben und zieht aus den Versuchen, ein „künstliches Paradies“ zu finden, eine bittere Schlussfolgerung:

Also der alte Fußgänger, der in einem Graben schläft,
Starrt den Traum mit der ganzen Kraft eines Schülers an.
Es genügt ihm, das Paradies in Wirklichkeit zu sehen,
Eine flackernde Kerze auf dem Dachturm.

Der einzige Ort, an dem er sich nicht einsam und verloren fühlt, ist die riesige Stadt Paris. Dort treffen Sie unerwartet einen zufälligen Passanten oder beginnen ein Gespräch. „Baudelaires Paris“, schrieb einer der Kritiker, „ist ein riesiger Behälter der bunten Einheit des Lebens mit seinem Strudel aus Gesicht und Hintern, ein Schnittpunkt von Jahrhunderten und Sitten, wo uralte Antike und Zukunft aufeinanderprallten und laute Menschenmengen miteinander verflochten.“ und Einsamkeit inmitten der Menge, Luxus und Widrigkeiten, Ausgelassenheit und Askese, Schmutz und Reinheit, wohlgenährte Selbstgefälligkeit und anschwellender Zorn.“ Paris ist ein „menschlicher Ameisenhaufen“ und eine Stadt der „Geheimnisse“, ein Lagerhaus „wunderbarer Dinge“. Sowohl außerhalb als auch in seinem Inneren sieht Baudelaire zitternde, flackernde, bizarre Schatten. Besonders beeindruckend sind die Übergangszustände der Natur – Herbst (vom Sommer zum Winter), Dämmerung (vom Tag zur Nacht oder von der Nacht zum Morgen), „wenn Welken und Gebären, Ruhe und Hektik, Schlaf und Wachheit sich drängen, wenn die Blendung.“ vom Sonnenuntergang oder der aufgehenden Sonne, die geistesabwesend umherwandert, alle Umrisse sind verschwommen und flackern zitternd ...“ Victor Hugo sah in Baudelaires Gedichten „einen neuen Nervenkitzel“.

Baudelaire wusste, dass das Leben düster war und keinen Ausweg sah, aber er verfiel nicht in Verzweiflung, sondern sang ein mutiges und bitteres Lied, „in großer Ruhe bewahrend“.

Ihm folgten Dichter, deren Werke das Bewusstsein für die unheilbare Krankheit stärkten, die die Menschheit Ende des 19. Jahrhunderts heimsuchte. Sie trugen das Zeichen eines Fluches und wurden „verfluchte Dichter“ genannt. Was sie von Baudelaire und seinem „Heldentum der Zeiten des Niedergangs“ unterscheidet, ist ihre, wenn auch nicht ohne inneren Widerstand, Zustimmung zu ihrer Unterlegenheit und der Erhebung der Dekadenz „zur verfeinerten Tapferkeit“. Es ist dieser Ungehorsam gegenüber ihren eigenen düsteren Stimmungen, der Wunsch, sich über sie zu erheben, der sie zu großen Dichtern macht.

„Ich bin die römische Welt der Zeit des Niedergangs“, schrieb Paul Verlaine über sich selbst (die Hauptwerke sind „Saturns Gedichte“, „Freundinnen“, „Galante Feiern“, „Lied der reinen Liebe“, „Romanzen ohne Worte“, „Weisheit“, „Entfernte Nähe“, „Liebe“, „Parallel“, „Widmungen“, „Frauen“, „Glück“, „Lieder für sie“, „Elegien“, „Epigramme“, „Fleisch“, „Beschimpfung“ , „Bibliosonette“, „Poetische Kunst“, kritische Artikel „Verfluchte Dichter“ usw.). Er wurde von Melancholie gequält, von Schmerzen überwältigt und er versuchte um jeden Preis, aus der Gefangenschaft des Blues auszubrechen und sich zusammenzureißen. Doch diese Versuche scheiterten immer wieder und stürzten in den Abgrund des Lasters. Der poetische Ausdruck dieser traurigen Seelenerlebnisse wird jedoch zu einem aufrichtigen Geständnis, zur Offenlegung der intimsten Herzensbewegungen und Gedanken über sich selbst und das Leben, die zur völligen Enthüllung gebracht werden:

In den Tavernen brüllen Betrunkene, auf den Gehwegen liegt Dreck,
In der kühlen Luft der Platanen liegen kahle Ligaturen,
Ein knarrender Omnibus, dessen schwere Räder
Sie stehen im Widerspruch zum Körper, der irgendwie schief sitzt
Und zwei schwache Laternen, die in die Nacht starren,
Arbeiter rennen in einer Menschenmenge und rauchen
Der Polizist hat einen Nasenwärmer unter der Nase,
Undichte Dächer, tropfende, schleimige Bänke,
Gräben voller Mist über den Rand -
Das ist es, mein Weg in den Himmel!

Verlaine ging einen schwierigen poetischen Weg. Seine Sammlung „Romanzen ohne Worte“ ist der Höhepunkt der impressionistischen Lyrik. Im Gedicht „Und es ist Gift im Herzen, / Und es regnet am Morgen ...“ wird aus einer augenblicklichen Skizze der Natur eine „Seelenlandschaft“, eine Beschreibung des inneren Zustands des lyrischen Helden. Vom Eindruck geht der Dichter dazu über, die Nuancen seiner Stimmung auszudrücken:

Oh willkommener Regen,
Dein Rascheln ist eine Ausrede
Unbegabte Seele
Weinen Sie Jodlärm.

Wörter, die ihre objektive und semantische Funktion verlieren, dienen dazu, „Melodie“ und „Musikalität“ zu erzeugen. Verlaine strebt danach, Bedeutung durch Klang zu ersetzen, Poesie und Musik zu verschmelzen und Texte „wortlos“ zu machen.

Das Manifest des Impressionismus und Symbolismus war die poetische Erklärung „Poetische Kunst“ (eine Anspielung auf Boileaus poetische Abhandlung). In der Folge verstärkten sich die Tendenzen des Symbolismus und fanden ihren Ausdruck in der Sammlung „Weisheit“. Hier wird die tiefe Ebene des Bildsymbols nicht von der menschlichen Seele, sondern von Gott eingenommen, was Anlass zu der Annahme gab, dass zwischen den dargestellten Phänomenen und der Seele übersinnliche Beziehungen hergestellt wurden und dass Verlaine von der „humanistischen Symbolik“ zu „ religiös“.

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1. Romantik(Romantik), eine ideologische und künstlerische Bewegung, die in der europäischen und amerikanischen Kultur des späten 18. Jahrhunderts – der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts – als Reaktion auf die Ästhetik des Klassizismus entstand. Es entwickelte sich ursprünglich (1790er Jahre) in der Philosophie und Poesie in Deutschland und verbreitete sich später (1820er Jahre) in England, Frankreich und anderen Ländern. Er hat die neueste Entwicklung der Kunst vorherbestimmt, auch die Richtungen, die ihr entgegenstanden.

Neue Kriterien in der Kunst waren Meinungsfreiheit, gesteigerte Aufmerksamkeit für das Individuum, einzigartige Merkmale eines Menschen, Natürlichkeit, Aufrichtigkeit und Gelassenheit, die die Nachahmung klassischer Vorbilder des 18. Jahrhunderts ablösten. Die Romantiker lehnten den Rationalismus und den Praktikabilismus der Aufklärung als mechanistisch, unpersönlich und künstlich ab. Stattdessen legten sie Wert auf emotionalen Ausdruck und Inspiration. Sie fühlten sich vom verfallenden System der aristokratischen Herrschaft befreit und versuchten, ihre neuen Ansichten und die Wahrheit, die sie entdeckt hatten, zum Ausdruck zu bringen. Ihr Platz in der Gesellschaft hat sich verändert. Ihre Leserschaft fanden sie in der wachsenden Mittelschicht, die bereit war, den Künstler – ein Genie und Prophet – emotional zu unterstützen und sogar zu verehren. Zurückhaltung und Demut wurden abgelehnt. Sie wurden durch starke Emotionen ersetzt, die oft Extreme erreichten.

Einige Romantiker wandten sich mysteriösen, rätselhaften, sogar schrecklichen Volksglauben und Märchen zu. Die Romantik wurde teilweise mit demokratischen, nationalen und revolutionären Bewegungen in Verbindung gebracht, obwohl die „klassische“ Kultur der Französischen Revolution tatsächlich die Ankunft der Romantik in Frankreich verlangsamte. Zu dieser Zeit entstanden mehrere literarische Strömungen, von denen die wichtigsten der Sturm und Drang in Deutschland, der Primitivismus in Frankreich unter der Führung von Jean-Jacques Rousseau, der Schauerroman und ein zunehmendes Interesse am Erhabenen, Balladen und alten Romanzen (von woraus der Begriff „Romantik“ entstand. Die Inspirationsquelle für deutsche Schriftsteller, Theoretiker der Jenaer Schule (die Brüder Schlegel, Novalis und andere), die sich zu Romantikern erklärten, war die Transzendentalphilosophie von Kant und Fichte, die die schöpferischen Möglichkeiten des Geistes in den Vordergrund stellte. Diese neuen Ideen drangen dank Coleridge in England und Frankreich ein und bestimmten auch die Entwicklung des amerikanischen Transzendentalismus.

So begann die Romantik als literarische Strömung, hatte jedoch einen erheblichen Einfluss auf die Musik und weniger auf die Malerei. In der bildenden Kunst manifestierte sich die Romantik am deutlichsten in der Malerei und Grafik, weniger jedoch in der Architektur. Im 18. Jahrhundert waren Berglandschaften und malerische Ruinen die bevorzugten Motive der Künstler. Seine Hauptmerkmale sind dynamische Komposition, volumetrische Räumlichkeit, satte Farben, Hell-Dunkel (z. B. Werke von Turner, Géricault und Delacroix). Weitere romantische Künstler sind Füssli und Martin. Auch die Kreativität der Präraffaeliten und der neugotische Stil in der Architektur können als Ausdruck der Romantik angesehen werden.

Künstler der Romantik: Turner, Delacroix, Martin, Bryullov

2. Realismus(Realismus, von lat. realis – real, materiell) – ein Konzept, das die kognitive Funktion der Kunst charakterisiert: die Wahrheit des Lebens, verkörpert durch die spezifischen Mittel der Kunst, das Maß ihrer Durchdringung in die Realität, die Tiefe und Vollständigkeit ihrer künstlerischen Arbeit Wissen.

Realismus, verstanden als Hauptrichtung in der historischen Entwicklung der Kunst, setzt stilistische Vielfalt voraus und hat eigene spezifische historische Formen: den Realismus der antiken Folklore, die Kunst der Antike und der Spätgotik. Der Prolog zum Realismus als eigenständiger Bewegung war die Kunst der Renaissance („Renaissance-Realismus“), aus der über die europäische Malerei des 17. Jahrhunderts der „Aufklärungsrealismus“ des 18. Jahrhunderts hervorging. Die Fäden reichen zurück bis zum Realismus des 19. Jahrhunderts, als der Begriff des Realismus entstand und in Literatur und bildender Kunst formuliert wurde.

Realismus 19. Jahrhundert war eine Reaktion auf die romantische und klassische Idealisierung sowie auf die Ablehnung allgemein anerkannter akademischer Normen. Gekennzeichnet durch eine scharfe soziale Ausrichtung, wurde er als kritischer Realismus bezeichnet und spiegelte in der Kunst akute soziale Probleme und den Wunsch wider, die Phänomene des sozialen Lebens zu bewerten. Die Leitprinzipien des Realismus des 19. Jahrhunderts. wurde zu einer objektiven Widerspiegelung der wesentlichen Aspekte des Lebens, verbunden mit der Höhe und Wahrheit des Ideals des Autors; Wiedergabe typischer Charaktere und Situationen mit der Vollständigkeit ihrer künstlerischen Individualisierung; Präferenz für die Darstellung von „Formen des Lebens selbst“ mit einem vorherrschenden Interesse an der Problematik von „Individualität und Gesellschaft“.

Realismus in der Kultur des 20. Jahrhunderts. gekennzeichnet durch die Suche nach neuen Verbindungen zur Realität, originellen kreativen Lösungen und künstlerischen Ausdrucksmitteln. Es erscheint nicht immer in seiner reinen Form, oft ist es in einem komplexen Knoten mit gegensätzlichen Strömungen verflochten – Symbolismus, religiöse Mystik, Modernismus.

Meister des Realismus: Gustave Courbet, Honoré Daumier, Jean-Francois Millet, Ilja Repin, Wassili Perow, Iwan Kramskoi, Wassili Surikow, Rockwell Kent, Diego Rivera, Andre Fougeron, Boris Taslitsky.

3. Symbolik- Richtung in Literatur und bildender Kunst Europas am Ende des 19. Jahrhunderts - Anfang des 20. Jahrhunderts. Der Symbolismus entstand als Alternative zu den erschöpften künstlerischen Praktiken des Realismus und Naturalismus und wandte sich einer antimaterialistischen, antirationalistischen Denkweise und Herangehensweise an die Kunst zu. Grundlage seines ideologischen Konzepts war die Idee der Existenz hinter der Welt sichtbarer, realer Dinge einer anderen, realen Realität, ein vages Abbild dessen, was unsere Welt ist. Die Symbolisten betrachteten alles, was uns und um uns herum geschieht, als Produkt einer Kette von Ursachen, die dem gewöhnlichen Bewusstsein verborgen bleiben, und der einzige Weg zur Wahrheit, zum Moment der Einsicht, ist der kreative Prozess. Der Künstler wird zum Mittler zwischen unserer Scheinwelt und der übersinnlichen Realität und drückt in visuellen Bildern „eine Idee in Form von Gefühlen“ aus.

Symbolismus in der bildenden Kunst - ein komplexes und heterogenes Phänomen, das nicht zu einem einzigen System geformt wurde und keine eigene künstlerische Sprache entwickelt hat. Den symbolistischen Dichtern folgend, suchten Künstler Inspiration in denselben Bildern und Themen: Themen wie Tod, Liebe, Laster, Sünde, Krankheit und Leiden, Erotik zogen sie an. Ein charakteristisches Merkmal der Bewegung war ein starkes mystisch-religiöses Gefühl. Symbolistische Künstler wandten sich häufig Allegorien, mythologischen und biblischen Themen zu.

Die Merkmale des Symbolismus sind in den Werken verschiedener Meister deutlich sichtbar – von Puvis de Chavannes, G. Moreau, O. Redon und den Präraffaeliten bis hin zu den Postimpressionisten (P. Gauguin, Van Gogh, die „Nabids“). usw.), die in Frankreich (dem Geburtsort der Symbolik), Belgien, Deutschland, Norwegen und Russland arbeiteten. Alle Vertreter dieser Bewegung zeichnen sich durch die Suche nach einer eigenen Bildsprache aus: Einige legten besonderen Wert auf Dekorativität und exotische Details, andere strebten nach einer fast primitiven Einfachheit des Bildes, klaren Konturen von Figuren, durchsetzt mit verschwommenen Umrissen von Silhouetten, verloren in ein nebliger Dunst. Diese stilistische Vielfalt, gepaart mit der Befreiung der Malerei „von den Fesseln der Authentizität“, schuf die Voraussetzungen für die Entstehung vieler künstlerischer Strömungen des 20. Jahrhunderts.

Meister der Symbolik: Gustave Moreau, Pierre Puvis de Chavannes, Odilon Redon, Félicien Rops, Edward Burne-Jones, Dante Gabriel, Rossetti, John Everett Millais, William Holman Hunt, Viktor Borisov-Musatov, Mikhail Vrubel.

4. Impressionismus- eine Bewegung in der Malerei, die in den 1860er Jahren in Frankreich entstand. und bestimmte maßgeblich die Entwicklung der Kunst im 19. Jahrhundert. Die zentralen Figuren dieser Bewegung waren Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir und Sisley, und der Beitrag jedes einzelnen von ihnen zu ihrer Entwicklung ist einzigartig. Die Impressionisten widersetzten sich den Konventionen des Klassizismus, der Romantik und des Akademismus, bekräftigten die Schönheit der alltäglichen Realität, einfache, demokratische Motive, erreichten lebendige Authentizität des Bildes und versuchten, den „Eindruck“ dessen einzufangen, was das Auge in einem bestimmten Moment sieht.

Das typischste Thema der Impressionisten ist die Landschaft, aber sie berührten in ihrem Werk auch viele andere Themen. Degas beispielsweise stellte Pferderennen, Ballerinas und Wäscherinnen dar, und Renoir stellte bezaubernde Frauen und Kinder dar. In impressionistischen Landschaften, die im Freien entstehen, wird ein einfaches, alltägliches Motiv oft durch durchdringendes, bewegtes Licht verwandelt und verleiht dem Bild ein Gefühl von Festlichkeit. In bestimmten Techniken impressionistischer Kompositions- und Raumkonstruktion ist der Einfluss der japanischen Gravur und teilweise der Fotografie spürbar. Die Impressionisten waren die ersten, die ein facettenreiches Bild des Alltagslebens einer modernen Stadt schufen und dabei die Originalität ihrer Landschaft und das Erscheinungsbild der dort lebenden Menschen, ihres Lebens, ihrer Arbeit und ihrer Unterhaltung einfingen.

Der Name „Impressionismus“ entstand nach der Ausstellung in Paris im Jahr 1874, auf der Monets Gemälde „Die aufgehende Sonne“ (1872; 1985 aus dem Marmottan-Museum in Paris gestohlen und heute auf Interpol-Listen aufgeführt) ausgestellt wurde. Zwischen 1876 und 1886 fanden mehr als sieben impressionistische Ausstellungen statt; Nach Abschluss des letzteren folgte nur Monet weiterhin strikt den Idealen des Impressionismus. Als „Impressionisten“ werden auch Künstler außerhalb Frankreichs bezeichnet, die unter dem Einfluss des französischen Impressionismus schrieben (zum Beispiel der Engländer F.W. Steer).

Impressionistische Künstler: Manet, Monet, Pissarro, Renoir

5. Naturalismus- (französischer Naturalismus, von lateinisch natura – Natur) – eine Richtung in Literatur und Kunst, die sich im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts in Europa und den USA entwickelte. Unter dem Einfluss der Ideen des Positivismus, deren Hauptvertreter O. Comte und G. Spencer waren, strebte diese Bewegung nach einer objektiven und leidenschaftslosen Darstellung der Realität, verglich künstlerische Erkenntnisse mit wissenschaftlichen Erkenntnissen und ging von der Idee aus die völlige Vorherbestimmung des Schicksals, die Abhängigkeit der geistigen Welt des Menschen vom sozialen Umfeld, der Vererbung und der Physiologie.

Im Bereich der Kunst Naturalismus wurde vor allem in den Werken französischer Schriftsteller entwickelt – der Brüder E. und J. Goncourt und Emile Zola, die glaubten, dass der Künstler die Welt um ihn herum ohne jegliche Ausschmückung, Konventionen und Tabus, mit maximaler Objektivität und positivistischer Wahrheit widerspiegeln sollte. In dem Bemühen, „alle Einzelheiten“ über einen Menschen zu erzählen, zeigten Naturforscher ein besonderes Interesse an den biologischen Aspekten des Lebens. Der Naturalismus in Literatur und Malerei manifestiert sich in einer bewusst offenen Darstellung der physiologischen Manifestationen des Menschen, seiner Pathologien, der Darstellung von Szenen von Gewalt und Grausamkeit, Grausamkeit, die vom Künstler leidenschaftslos beobachtet und beschrieben werden. Fotografie und Entästhetisierung der künstlerischen Form werden zu den Hauptmerkmalen dieses Trends.

Trotz der Einschränkungen der kreativen Methode trugen die Ablehnung von Verallgemeinerungen und die Analyse sozioökonomischer Probleme der Gesellschaft, der Naturalismus, die Einführung neuer Themen in die Kunst, das Interesse an der Darstellung des „sozialen Bodens“ und neue Mittel zur Darstellung der Realität dazu bei Entwicklung der künstlerischen Vision und Bildung des kritischen Realismus im 19. Jahrhundert (wie E. Manet, E. Degas, M. Lieberman, C. Meunier, veristische Künstler in Italien usw.), der Naturalismus fand jedoch keinen Eingang in die Malerei zu einem ganzheitlichen, konsistenten Phänomen formen, wie in der Literatur.

In der sowjetischen Kritik der 1930er-1970er Jahre. Der Naturalismus galt als künstlerische Methode im Gegensatz zum Realismus und zeichnete sich durch eine asoziale, biologische Herangehensweise an den Menschen aus, die das Leben ohne künstlerische Verallgemeinerung kopierte und die Aufmerksamkeit auf seine Schattenseiten erhöhte.

Meister des Naturalismus: Théophile Steinlen, Constantin Meunier, Max Liebermann, Käthe Kollwitz, Francesco Paolo Michetti, Vincenzo Vela, Lucian Freud, Philip Pearlstein.

in der Literatur des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts.

1. Ursprünge und Voraussetzungen der Symbolik…………………………………….3

2. Charakteristische Merkmale der symbolistischen Literatur……………………………..5

3. Symbolik in der Literatur Westeuropas am Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts..9

Referenzliste………………………………………………………...18

Letztes Drittel des 19. Jahrhunderts. war eine der dramatischsten Perioden in der Geschichte Frankreichs, die als „Fin de Siècle“ („Ende des Jahrhunderts“) bekannt wurde: Niederlage im Deutsch-Französischen Krieg, Niederlage der Pariser Kommune, monarchistische Verschwörungen, Korruption und Missbräuche in hohen Regierungs- und Finanzkreisen.

Dann spürten Vertreter der französischen Kultur deutlich die Erschöpfung früherer Ideen und Konzepte (philosophischer, wissenschaftlicher, künstlerischer Art), die mehrere Jahrhunderte lang die Grundlage der westlichen Zivilisation bildeten. „Wem soll ich vertrauen? Zu welchem Idol soll ich beten? Welcher Heilige sollte gestürzt werden? Wessen Herzen sollen fesseln? Welches Ziel soll ich mir zu eigen machen?“ fragte Rimbaud verzweifelt, nachdem er wie viele andere ein Gefühl tiefer Enttäuschung und Ermüdung durch das Leben, seine Ohnmacht davor und den Schrecken der kommenden historischen Umwälzungen erlebt hatte, die sie prophetisch vorwegnahmen.

Der anerkannte Kopf des französischen Symbolismus war Stéphane Mallarmé (1842 – 1898). Seine ersten Gedichte, geprägt vom Einfluss der Parnassianer und Baudelaires, erschienen Anfang der 60er Jahre. Unter ihnen war die Ekloge „Der Nachmittag eines Fauns“ (1865–1866) von besonderem Interesse.

Symbolisten entwickelten eine neue suggestive poetische Sprache, die einen Gegenstand nicht direkt benennt, sondern durch Allegorie, Musikalität, Farben und freie Verse auf einen bestimmten Inhalt hinweist.

Die Suche nach Entsprechungen ist die Grundlage des symbolistischen Prinzips der Synthese, der Vereinigung der Künste. Die in Baudelaires Buch enthaltenen Motive der Durchdringung von Liebe und Tod, Genie und Krankheit, der tragischen Kluft zwischen Schein und Wesen wurden in der Poesie der Symbolisten dominant.

Der Sprecher des Protests gegen die prosaische Klarheit war P. Verlaine, und seine Rolle als Reformator der poetischen Sprache in der Literaturgeschichte ist berechtigt. P. Verlaine war ein talentierter Innovator, der den traditionellen Vorstellungen von Poesie den Kampf ansagte und sich bemühte, „eine neue Sprache, eine neue Klangmusik“ zu schaffen.

Die Poesie des brillanten jungen Mannes A. Rimbaud, der als erster freie Verse (freie Verse) verwendete, verkörperte die von den Symbolisten übernommene Idee, die „Beredsamkeit“ aufzugeben und einen Schnittpunkt zwischen Poesie und Prosa zu finden. Rimbaud drang in alle, auch die unpoetischsten Sphären des Lebens ein und erzielte in der Darstellung der Realität die Wirkung eines „natürlichen Supernaturalismus“.

Folgende allgemeine Merkmale der Symbollehre werden hervorgehoben: Kunst – intuitives Verständnis der Welteinheit durch die symbolische Entdeckung von „Entsprechungen“ und Analogien; das Musikalische ist die Urgrundlage des Lebens und der Kunst; die Dominanz des lyrisch-poetischen Prinzips, basierend auf dem Glauben an die Nähe des Dichterinnenlebens zum Absoluten und an die überreale oder irrational-magische Kraft der poetischen Sprache; Auf der Suche nach genealogischen Zusammenhängen wandte er sich der antiken und mittelalterlichen Kunst zu.

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